eNTRaDaS PaRa La HiSTeRia

sábado, 22 de agosto de 2015

Paz del Castillo - Now (2015). Entrevista a Paz del Castillo

La pianista Paz del Castillo vuelve al panorama internacional con 'Now' (2015), un trabajo de piano solista que junto con sus anteriores trabajos, 'Moods for Piano', 'Secretos…' y 'Eleven Drops' conforman una manera de entender el piano acústico por una artista irrepetible


'Now' consta de ocho obras para piano solo dentro del estilo personal de Paz, pero aporta nuevas ideas y nuevos colores que seguro serán del agrado del publico y los amantes de la música.

PAZ DEL CASTILLO
Now (2015)


LA ENTREVISTA

Paz del Castillo empezó su carrera musical muy joven, apenas siendo una niña. ¿Por qué el piano y no otro instrumento musical?
La elección no fue muy voluntaria. Mi madre compró un piano para que aprendiéramos a tocar. A ella le gustaba muchísimo la música y conocía a algún profesor. Así que en casa tocaban mis hermanas y yo llegué al final, y me subí el tren.

¿Cómo es ser músico profesional? ¿Cuántas horas diarias se pueden llegar a dedicar al estudio? ¿Cuál es el panorama actual para un músico solista?
Un músico profesional puede ser de tantas formas como personas, pero lo que tienen en común es el amor por el instrumento, por la música y la belleza.

La constancia cada uno la lleva de una forma distinta, pero si es importante para no decaer, con una rutina diaria o no, y eso no te garantiza nada hoy en día, Hay momentos en los que necesitas desconectar, tomar aire y seguir.

Depende mucho de la época en la que estés. Cuando eres estudiante y estás en la vorágine de exámenes, audiciones, lecciones y demás, hay veces que llegas a estar 6 horas en el instrumento, ¡¡o más!! si estás ante una oposición o una prueba determinante. Sobre todo en los últimos años de carrera. Pero eso es una barbaridad. Siempre me acordaré de un profesor que tuve que me decía que el practicaba 3 horas diarias, no más, y si llegaba. Y creo que eso, o menos, debería ser lo normal. También creo que llegas a un punto en la vida que ya tu cabeza y tus manos tienen unos recursos, unas herramientas y un entrenamiento que difícilmente se olvidan, y cuando te pones en el instrumento es como que enfocas directamente hacia lo que estas haciendo. Yo me he quedado ahí, porque puede ser agotador, y llegar a un punto que tu cabeza y tu físico te diga basta.

Puedes leer la entrevista completa en nuestra web, pinchando aquí.

viernes, 21 de agosto de 2015

Crónica gráfica del concierto de The Eskies (Gran Café, León, 19 de Agosto 2015)

El grupo irlandés The Eskies pasaron por el Gran Café de León dentro de su gira española de presentación de las canciones de su último disco "After the cherry went round"

Canciones de Folk Rock con acentuado toque irlandés, estos cinco músicos hicieron bailar y soñar a un público que acabó entregado a los ritmos de estos nórdicos de sangre caliente. 
(c) foto de Natalia Bayón
Nuestra compañera Natalia Bayón (@nataliabayonrestuvo en este concierto y estas son algunas de imágenes que recogió con su cámara.
Puedes ver el resto de fotos en nuestra web, siguiendo este enlace.

miércoles, 19 de agosto de 2015

Zambaruja - Fusión y Tradición (2011). Entrevista a Raúl Llorente y Fernando Martín

La palabra Zambaruja tiene su origen en una antigua denominación que se daba en la tierra de pinares vallisoletana al conjunto de hojas caídas del pino que pobla esta comarca.
Es en esta tierra de pinares donde a finales de 2005 la palabra Zambaruja vuelve a la vida para representar y dar nombre a cinco músicos procedentes de ella, que con ilusión y ambición deciden crear un repertorio basado en la música tradicional de su provincia y a su vez dando rienda suelta a la imaginación y a la creatividad.

De esta forma y poco a poco es como va tomado vida un repertorio muy variado y personal que completan además de bastantes temas de creación propia, algunas versiones de la música tradicional recogida en la provincia de Valladolid. Temas como “El Parrillano” o las “Folias de Matapozuelos” entre otros se ven recreados en nuevos y originales arreglos haciendo del folklore musical un arte vivo que sigue evolucionando a través de la personalidad de quien lo interpreta. La mezcla y fusión de instrumentos provenientes de la tradición con otros timbres más modernos o actuales dotan a todo el repertorio de una sonoridad inusual.

ZAMBARUJA
Fusión y tradición (2011)

A principios de 2011 ve la luz su primer trabajo discográfico “Fusión y Tradición”.
Desde su inicio en los escenarios, además de realizar numerosos conciertos en España y Portugal, también su música ha sido valorada en varios concursos.

En el año 2012 la formación tiene un cambio y pasa a tener cinco componentes, manteniendo parte del repertorio y añadiendo temas nuevos cambiando el formato y con una línea más acústica y tradicional.

También reseñar que algunos de sus temas forman parte de videos promocionales en diferentes campos, como en el de la gastronomía, el turismo rural, así como para coreografía en la escuela profesional de danza.


LA ENTREVISTA

¿Por qué el nombre de Zambaruja?
Zambaruja, es uno de los muchos  sinónimos como se conoce a la hoja de pino caída en el suelo en los pinares. La mayoría de los componentes vivimos en la zona de tierra de pinares vallisoletana, y de ahí el buscar un nombre que englobara nuestra procedencia.

Vuestra música tiene una gran influencia del Folk castellano, pero se dejan entrever guiños a otros estilos ¿Qué ha motivado este sonido en Zambaruja?
Esa es nuestra idea, ofrecer la música tradicional mezclada con otros estilos e influencias, intentando aportar algo de frescura e intentar llegar a la gente más joven que desconoce este tipo de música, y al público en general.

Puedes leer el resto de al entrevista en nuestra web, siguiendo este enlace.

martes, 18 de agosto de 2015

Sebastian Wesman - Astronomic Panoram (Reedición 2015). Entrevista a Sebastian Wesman

Sebastian Wesman reedita por tercera vez su gran obra 'Astronomic Panoram' con Luscinia Discos.

La primera edición del álbum 'Astronomic Panoram' del violinista y compositor de origen argentino y residente en Estonia Sebastian Wesman se realizó en febrero de 2011. Anunciamos, ahora, el lanzamiento de su tercera edición, que incluye nuevo estuchado -cartón tríptico- de una especial delicadeza a juego con la propuesta sonora, y readaptación del arte gráfico.

SEBASTIAN WESMAN
Astronomic Panoram (Reedición 2015)

En 'Astronomic Panoram' la materia sonora se constituye de múltiples instrumentos acústicos y voces. El propio Sebastian Wesman se encarga de tocar el violín, la viola, el piano, las flautas, los timbales y de aportar, de forma particular y puntual, su voz. Martin-Eero Kõressaar toca la tuba y la trompeta. Mai Nuudi ofrece su voz de soprano. Diana Norma Szokolyai interpreta, entrelazada con el violín de Wesman, su poesía "Underground Rivers". Y Anneli Kõressaar recita en esa lengua que nos puede resultar tan extraña, por poco habitual, pero tan arraigada que es el estoniano.

Retratan entre todos un mundo fantástico, casi cinematográfico (otra de las grandes dedicaciones artísticas de Wesman a día de hoy), de sueños, recuerdos y emociones insondables, donde el movimiento es sentido, tocado y respirado.


LA ENTREVISTA

Sebastian Wesman empezó su carrera musical muy joven, apenas siendo un niño. ¿Por qué la música y no otra profesiónl?
La música es un camino que no elegí, digamos que se fue dando. Por otro lado me dedico al cine. También me interesan otras actividades que en lo aparente no tienen una relación con la música o el arte, como la vida en el campo y sus tareas. Pero con el tiempo uno se da cuenta de que todo se relaciona con todo.

¿Cómo es ser músico profesional? ¿Cuántas horas diarias se pueden llegar a dedicar al estudio? ¿Cuál es el panorama actual para un músico solista?
Hasta hoy no comprendo qué es ser un profesional en el arte, puedo decir que cada día sé menos, creo que todavía me queda todo por aprender, aún continúo en el estado de asombro, ese estado que nació con el primer encuentro con el instrumento.
Dediqué parte de mi niñez y toda mi adolescencia a la técnica de ejecución de algunos instrumentos y sobre todo a componer, siempre componer. Hoy sólo me dedico a componer y a filmar mis películas.
La técnica está al servicio de las ideas, intento no excederme y mantener el equilibrio, tratando de que la técnica no sobrepase lo que quiero decir.
Si ejecutas sólo tus propias composiciones puede que el panorama se torne más complicado pero siempre queda seguir adelante. Aunque en mis tiempos libres nunca falta Bach.

A parte de una excelente técnica y posición ¿qué tiene un músico excelente sobre el escenario?

Sinceridad.

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lunes, 17 de agosto de 2015

Radioplebe - Indomables (2015). Entrevista a Jorge Pus

Radioplebe surgen en Pamplona en 2008, estando el grupo actualmente integrado por Jorge Pus a la voz y a las guitarras; Eneko Larrea, a las guitarras; Gaizka Berriohazard, al bajo, e Iñaki Armiarmajauna, a la batería: hasta la fecha contaban con dos trabajos en su haber, Emitiendo, seminal maqueta publicada en 2009, y Estrellados del Rock, su primer disco oficial. Desde el 22 de mayo de 2015, cuentan con un segundo álbum, Indomables. El CD, de título más que definitorio, llega tras una etapa de transición musical que les ha llevado de manera definitiva a terrenos propios del  punk rock y del rock and roll más lúcido y enérgico.

RADIOPLEBE
Indomables (2015)

Punk rock del siglo XXI tanto desde el prisma musical como desde el lírico, he aquí qué irradian las canciones de Radioplebe, depositarias de la esencia que hizo grande al género en el siglo XX: de una ironía y una clarividencia en las letras más que perspicaz: cosa de la personalidad y del ingenio a la hora de escribir de Jorge, alma mater del grupo cuya forma de analizar la realidad queda perfectamente plasmada a lo largo del CD; de unas canciones facturadas con indomable arrojo y que suenan como lo que son, pildorazos demoledoramente directos y certeros que, apoyándose en trepidantes cambios rítmicos, mantienen el pulso del conjunto a la perfección.

Buscando alzar la voz definitivamente, asentarse en el dial; llamados así en homenaje a las históricas Radios Libres surgidas en los años 80, Radioplebe hacen gala de su condición de indomabilidad por medio de este disco, Indomables. Radioplebe, con la antena a punto nuevamente, presta y predispuesta para irradiar punk rock en aras de incrementar sus índices de audiencia. Todo hace suponer que se ampliará el radio de acción de su emisión.


LA ENTREVISTA

¿Por qué el nombre de Radioplebe?
Somos pueblo, y desde lo que somos, emitimos al aire nuestra forma de ver las cosas; como en las “radios piratas” o “radios libres” que había en los ochenta y noventa, en las que  escuchábamos la contra-información y contra-cultura de una época. En Iruña por ejemplo había unas cuántas, como Zarata Irratia o Eguzki Irratia. Esta última a día de hoy todavía mantiene su actividad.

Vuestra música parece tener una gran influencia del Punk, el Rock Urbano, del Hard Rock,  y del Metal,…pero se dejan entrever guiños a otros estilos ¿Qué ha motivado este sonido en Radioplebe? ¿Cuáles son o han sido vuestras influencias más directas a la hora de hacer música?
Desde críos hemos escuchado muchísima música, Pamplona siempre ha sido un auténtico hervidero de grupos y estilos. Nosotros venimos de escuchar de todo: Rock, Metal, Hardcore, Grind, Death, Black, Punk, Grunge… Pero sin ninguna duda, el “Rock Radikal Vasco” fue nuestra primera influencia; aunque éramos muy jóvenes pudimos ver su explosión y decadencia.
Por otra parte cada uno, individualmente, ha ido escuchando otras cosas; según vas aprendiendo a tocar, la necesidad de ampliar conocimientos te lleva a investigarlo todo y el abanico se hace inmenso.
En cuanto al sonido, lo teníamos muy claro desde antes de entrar al estudio, y Kolibrí Díaz se implicó muchísimo a todos los niveles para conseguirlo.
 
Vuestro último trabajo es este LP titulado Indomables (2015) que contiene 8 temas de sonido intenso y directo, casi frenéticos a veces,… donde  también le dais especial importancia a los textos ¿Qué podéis decirnos al respecto? ¿Qué os motiva a la hora de hacer vuestros temas?
Radioplebe habla de lo que vemos, de lo que entendemos que pasa alrededor y de las propias experiencias. Lo ideal es que haya un equilibrio entre lo que se toca y lo que se dice.   

Puedes leer el resto de la entrevista en nuestra web, siguiendo este enlace.

Astrolabio - Carretera Serpiente (2015). Entrevista a Carlos y Jaume

EL GRUPO

Astrolabio es un grupo cuántico afincado en Mallorca y compuesto por tres mallorquines y un catalán exiliado.

A pesar de haber existido bajo otros nombres y formas, no es hasta comienzos del 2007 cuando Astrolabio pone nombre a esta particular e indefinida formación de cuatro elementos que, mediante sus canciones, se infiltra en el ocultismo de realidades paralelas y aullantes sistemas cósmicos.

ASTROLABIO
Carretera Serpiente (2015)

El proyecto emprendido por Carlos, Jaume, Juancho y Miguel se ha ido perfilando poco a poco durante estos años. Tras haber grabado varias maquetas y tocado en lugares de lo más inhóspito (lugar que no ofrece seguridad o abrigo), en primavera de este año han autoproducido su primer disco capitaneados por Rafa Rigo, de Urban Producciones.

De su primer larga duración, lo más destacable es el sonido potente y guitarrero de canciones como “Astrología” y “Thelema”, y la psicodelia y excentricidad de “Infierno doble” y “Debe haber siete niveles”. En otros títulos, como “Femme fatale” o “Flores muertas”, conjugan el pop y el noise, y en “Luzazul”, se atreven incluso con instrumentos renacentistas y de origen hindú.

Las influencias de astrolabio van desde grupos como The Velvet Underground hasta llegar al mismísimo Wagner, pasando por The Jesus and Mary Chain, Black Rebel Motorcycle Club, Spacemen 3, My Bloody Valentine, The Beatles, The Rolling Stones,... Es innegable también la influencia del indie español de formaciones como El Hombre Burbuja, Los Planetas, La Habitación Roja, o El Niño Gusano.

Con la presentación de este trabajo, Astrolabio pretende llegar a un mayor número de personas para que puedan descubrir su música, buscando cualquier reacción y considerando la indiferencia como un fracaso.
Estos cuatro buscadores de estrellas persiguen un sonido con personalidad, desmarcarse de las comparaciones superficiales y que la gente que acceda a su música pueda adentrarse en un universo paralelo y tan estridente como la explosión del famoso zeppellin.


LA ENTREVISTA

¿Por qué el nombre de astrolabio? 
En realidad fue el nombre que nos eligió a nosotros, así que no tenemos una respuesta clara al por qué. Lo que sí podemos decir es que somos cuatro personalidades que buscan un encuentro común haciendo canciones. Al final todo se reduce a eso, y astrolabio como el instrumento que nos lleve a descubrirnos encaja bien con la idea que perseguimos.

Vuestra música parece tener gran influencia del Pop Rock de los 90 y 2K y del Indie Pop de las últimas décadas pero en la que puede encontrarse guiños a otros estilos. ¿Qué ha motivado este sonido en astrolabio? ¿Cuáles son o han sido vuestras influencias más directas a la hora de hacer música?
Esta influencia se debe a que es la música con la que hemos crecido, aún así, no queremos encasillarnos. Éste ha sido nuestro punto de partida, pero como bien dices intentamos crecer como músicos experimentando con nuevos sonidos.


En cuanto a nuestras influencias más directas se podría decir que nos gustan especialmente la Velvet Underground.




Vuestro segundo trabajo es Carretera Serpiente (2014) un conjunto de 9 canciones de sonido elegante y sofisticado, de aire evocador y nostálgico, donde encontramos temas intensos y directos que describen situaciones abstractas, complejas relaciones y obtusas reflexiones, descritas con unas letras muy trabajadas. ¿Qué podéis decirnos al respecto? ¿En qué os inspiráis para hacer las canciones? 
Creo que lo has definido muy bien. El disco lo hemos grabado después de haber tenido una serie de cambios en el grupo, lo que ha supuesto quizá que hayamos podido madurar más el sonido. Además, durante este tiempo hemos creado un espacio propio que nos sirve de estudio de grabación y eso nos ha dado la tranquilidad de buscar más el sonido que queríamos sin presiones de tiempo.

Lo que nos inspira a la hora de hacer canciones puede ser cualquier cosa. No huimos de lo que nos rodea y hablamos de lo cotidiano siempre descrito desde nuestra propia perspectiva. 

¿Por qué habéis titulado Carretera Serpiente a este último álbum? ¿Podéis contarnos alguna anécdota durante la grabación del disco? 
El título del disco puede explicar varias situaciones en las que se ha encontrado el grupo, pero además, el título "Carretera Serpiente" le da un sentido global al disco. Son nueve historias que si uno quiere puede relacionar entre sí.

La verdad es que cuando sacamos nuestro primer LP en 2011 no pensábamos que estaríamos tres años en sacar el segundo, pues ya teníamos algunas maquetas grabadas con las nuevas canciones, pero al final el tema se ha alargado lo que también ha supuesto cosas buenas.


Puedes ller el resto de la entrevista en nuestra web, siguiendo este link.

domingo, 16 de agosto de 2015

Crónica del concierto de Julieta Venegas (Starlite Festival, Marbella, 4 de Agosto 2015)

La cantante y compositora mexicana Julieta Venegas tiene una gira por España con cinco conciertos. Uno de esos conciertos ha sido con parada obligatoria en Marbella en el Festival Starlite.

texto y fotos de Jorge López Vital @JorgeLopezVital  

Haciendo un recorrido por sus mayores canciones de éxitos, la pasada noche la cantante, y también activista, trajo un pedacito de Sudamerica a la Cantera de Marbella. Empezó tocando el acordeón seguido de su piano eléctrico, por si fuera poco, también dejó sonar su guitarra.



A mitad del concierto, Julieta presentó a los asistentes al concierto algunas canciones de su nuevo disco que lleva por nombre "Algo Sucede", que se puede disfrutar de algunos temas en su página oficial. Canciones como "Ese Camino" ya está sonando en las listas más escuchadas en las cadenas de radio.

La crónica completa y todas las fotos en nuestra web, siguiendo este link.

Kanaku y El Tigre - Quema Quema Quema (2015). Entrevista a Bruno Bellatín

La banda peruana Kanaku y El Tigre se caracteriza por su sonido envolvente y ritmos de electro-folk, que se perfila como un contendiente para ser el soundtrack del verano.

Kanaku y El Tigre,  es uno de los dúos emergentes más importantes de la escena musical de Perú,  conformado por Bruno Bellatín y Nicolás Saba, que luego de su primer disco “Caracoles” (2010), se ganó un lugar entre los mejores discos de año en su país. La crítica los recibió con los brazos abiertos y les ofreció la oportunidad de seguir desarrollándose en el mercado de la música y extender su interés por llegar a Europa.

KANAKU Y EL TIGRE
Quema Quema Quema (2015)

Su fuerte relación musical nació en los años 90’s cuando, durante la adolescencia, predicaban el caos juntos con una banda de punk en la ciudad de Lima. Ahora, ya entrados es sus veintes, han adoptado al inglés como su segunda lengua, después de vivir tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos,  dejando una huella evidente en su música que nos recuerda a los ritmos occidentales. Gracias a esto, y a pesar de tener personalidades muy diferentes y gustos musicales casi paralelos, ambos han logrado apreciar las ventajas de unir fuerzas basadas en la fuerte creencia de que la vida se debe vivir intensamente, siempre con la energía de “Quema Quema Quema”.


LA ENTREVISTA

¿Por qué el nombre de Kanaku y el Tigre?
Son dos nombres juntos, Nico llegó con su proyecto "El tigre", que era de colaboraciones con varios músicos, al final colaboramos tanto juntos que le dije, “mejor le agrego un nombre”. "Kanaku" significa fuego, en algún quechua, y juntos se volvió en Kanaku y el Tigre.

Vuestra música tiene una influencia tan variada, que es muy difícil de clasificar. Podemos encontrar música Folk que se fusiona con el música Electrónica, con ritmos Pop, sonidos Underground e incluso Psicodélicos, …¿Qué ha motivado este sonido en Kanaku y el Tigre? ¿Cuáles son o han sido vuestras influencias más directas a la hora de hacer música?
Nicolás es más melómano que yo, pero creo que ambos coincidimos en que nuestra mayor influencia es la vida misma,  ciudad en que vivimos y los contrastes que genera. No solo las personas, también las diferencias que encontramos al salir de la ciudad y ver el campo, las montañas. Al iniciar “Quema Quema Quema”, se nos hacia muy difícil coincidir en bandas, álbumes o estilos que nos gustaran a ambos, hasta que coincidimos en que “Graceland” de Paul Simon era uno de nuestros discos favoritos, aunque no se parece mucho a “Graceland” sonoramente sino más en las fusiones que tiene. Una influencia grande para mi es la música local, actual o ancestral, y siento que es muy importante darle cabida a lo afro y andino en nuestra música, Perú es un país muy diverso y falta aun acercarnos a vertientes de música tradicional local.

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sábado, 15 de agosto de 2015

Nudo - Juicio Final (2015). Entrevista a Jesús Izco

Nudo, la banda de heavy rock en castellano de la localidad de San Javier (Murcia) , edita Juicio Final, su segundo disco de larga duración.

En sus orígenes, Nudo simplemente era un local de ensayo sin una formación grupal definida, donde se reunían distintos colegas para tocar e improvisar.
Fue a finales de 2007 cuando surgió una formación estable y comenzaron a ensayar de forma más seria distintas versiones de grupos como Ozzy Osbourne, Judas Priest, Los Suaves, Barón Rojo… Sin haber escogido aún un nombre para la banda, son invitados por unos colegas a tocar en el festival que organizan en su localidad, el Romperribazos Rock 2008, en el que comparten cartel con Benito Kamelas y Hora Zulú, entre otros.

NUDO
Juicio Final (2015)

A principios de 2008, lo que había empezado unos pocos meses antes como un pasatiempo entre colegas, rodeado de litros de cerveza y humo, se convierte en NUDO (nombre elegido para la banda). Tras la gran acogida del grupo por parte de los asistentes a sus primeros conciertos durante 2008 y comienzos del 2009, deciden grabar Cuervos y Ouija, dos de sus primeras canciones de una forma casera y con pocos medios para presentarse al 1ª concurso San Javier Rock, que tiene lugar en la fiesta de apertura de la 4ª edición del festival Leyendas del Rock, recién llegado a la localidad de San Javier. Para su sorpresa, ganan el primer premio, gracias a que su estilo heavy metal-hard rock en castellano recibe el apoyo masivo del público asistente al festival, al igual que el del jurado.

Éste premio les da la oportunidad de editar lo que será su primer disco, Cuervos, en los estudios de Factor Q, el cual será grabado por Antonio Armero. Éste proyecto contará con la colaboración de Óscar Sancho, vocalista de Lujuria, en el tema Doctor Rock y de Gabino, guitarra de Panzer (Caxorro) en el Jardín del Edén y Sueños de Libertad.
Es en 2011 cuando son llamados participar en la siguiente edición del festival Leyendas del Rock, cerrando el cartel del primer día del evento.

Tras dos años de ruptura el grupo se hace con nuevos componentes quedando solo y originalmente Jesús Izco. Nudo realiza varios conciertos con esta formación junto a bandas como Saratoga, Zenobia, Dünedain, Lujuria etc. Y tras varias decisiones se pone en marcha lo que será el nuevo y segundo trabajo del grupo “Juicio Final” contando con las bajas de Alberto Balsalobre a la batería y de Andrés Cánovas a las cuatro cuerdas.

En 2014, se unen Gushy a la batería y Oscar al bajo. El grupo entra con esta formación a su propio estudio (HADES) donde “Izco” se hace cargo de la producción para la grabación del nuevo disco auto producido “Juicio final” y que consta de trece cortes, contando con las colaboraciones de Gloria (Guadaña), Jorge Berceo (Zenobia), Luisma (Santelmo) y Tony, compañero de grupo de Izco en Dünedain, que compagina con Nudo.


LA ENTREVISTA

¿Por qué el nombre de Nudo?
 Nudo nos parecía un nombre que significaba unión y fuerza. Que mejor que esta forma de empezar.

Vuestra música parece tener una gran influencia del Heavy Metal clásico y del Rock ÉpicoHard Rock, del Rock Urbano,…pero se dejan entrever guiños a otros estilos ¿Qué ha motivado este sonido en Nudo? ¿Cuáles son o han sido vuestras influencias más directas a la hora de hacer música?
Todos hemos crecido con música del mismo genero y todos escuchamos otros estilos también compartimos  gustos en común con todos los grupos grandes de los 80 y 90 y a la hora de hacer música es lo que fluye y lo que mejor sabemos hacer.

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Crónica del concierto de Earth Wind & Fire Experience (Madgarden Fest, Madrid, 21 de Julio 2015)

Ya se sabe que un auditorio con sillas invita a los asistentes a permanecer sentados, y si además, la edad promedio del público es alta, aún dificulta más que este se levante a bailar. No obstante, ¿quién se puede resistir a moverse cuando lo que suena es funky y música disco? ¿Y si encima los que tocan son los 'Earth, Wind & Fire'?


Efectivamente, esta noche en el Festival MadGarden, al terminar el concierto no fue necesario que el público se levantara de la silla para salir del recinto porque todo el mundo ya estaba de pie tras el bonus track "Boogie".

foto de Blanca Gómez 

Bajo la dirección de Al Mckay, miembro clave de la mítica banda ya que fue guitarrista, productor y compositor, "Earth, Wind & Fire Experience feat. The Al Mckay Allstars" está llevando a todo el mundo los hits que hicieron conocida a la formación y que todavía hoy son un referente para los amantes de la música disco, dance, soul y funk.

Mayores, jóvenes y niños bailaron todas y cada una de las canciones de este mítico grupo. En realidad lo difícil habría sido quedarse sentado mientras su música llenaba todo el Parque Botánico de la Universidad Complutense.

Desde el inicio todo ya fluía. Los protagonistas no paraban de bailar y el público también. El saxo, Ed Wynne, bajó a hacer unas réplicas con la espectacular voz del cantante, Tim Owens. Si bien los tres solistas tienen una voz privilegiada, Owens no dejó a nadie indiferente con su amplia tesitura.

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Carlos Garó - Entrance to the Parallel Universe (2015). Entrevista a Carlos Garó

Carlos Garó edita su segundo larga duración “Entrance to the Parallel Universe”,  un álbum con 11 cortes pseudo-intrumentales de sonido envolvente y evocador, que nos hace rememorar los mejores tiempos de la New Age en pleno siglo XXI.


Carlos Garó no compone canciones, crea experiencias musicales con alta carga descriptiva, capaz de hacerte soñar despierto, evocar imágenes, e invocar mundos que solo tú puedes crear,  tu imaginación se desborda mientras se nutre de tan fantástica banda sonora. No cabe duda, la música de Carlos, es el pasaporte que te permite la entrada a otros universos paralelos, sin moverte de tu sitio.

CARLOS GARÓ
Entrance to the Parallel Universe (2015)

Tras su primer disco “The Fifth Palace”, Carlos Garó, busca en este segundo disco, consolidar su estilo propio, sin desprenderse de la línea marcada, construye temas que recuerdan a la magia de las primeras composiciones de Mark Knopfler en solitario, al misticismo de los discos de Enigma, la creatividad de Mike Oldfield, la versatibilidad de Yanni o la frescura sensitivia de Kitaro.


LA ENTREVISTA

Lo primero que choca tras escuchar tu disco, es la categoría de las composiciones y el sentimiento de estar ante un producto internacional ¿te lo han dicho más veces?
Lo cierto es que me lo han dicho muchas veces, tanto mis gustos musicales, como mis influencias siempre han ido ligadas a la música internacional, por eso en cierta manera, a la hora de componer se dejan oír melodías de un estilo más universal.

Una imagen cuidada y una personalidad más bien seria, ¿forma esto parte de tu marca artística o de tu yo personal?
Ambas cosas, mi personalidad es seria y mi música es elegante.

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viernes, 14 de agosto de 2015

Allison García - Romance Salvaje (2015). Entrevista a Allison García

Allison García Band es un grupo emergente de Barcelona que apenas lleva 4 meses con su nuevo EP “Romance Salvaje” en la calle. Poco a poco van sumándose a la lista los conciertos que va haciendo Allison García Band.

Allison García pasea por Barcelona. Una ciudad que con cada paso se queda más grande. Más rápida, más alta y sin límites. Luz artificial. Calor. Blanco y negro. Un perro camina en solitario por la ciudad. Allison se para. Mira. Escucha. En su imaginación pinta un cuadro. Una explosión de sonidos. Colores. Allison se gira y nos revela un cuadro. Cuatro rosas rojas. Cada rosa una canción. Estas canciones tienen cabida en el primer EP de su nueva aventura musical: La Allison García Band.

ALLISON GARCÍA
Romance Salvaje (2015)

Allison es pintora. Los pinceles se mueven solos, casi como en un sueño. Los cuadros se crean en un estado inconsciente, pincelada por pincelada. De la misma forma escribe canciones. En búsqueda de la verdad, emociones y sensaciones. Nos habla de su entorno. La situación actual. El teatro. Canaliza sus sueños, sus miedos, sus experiencias a través de la pluma. El resultado son explosiones de pop, combustiones espontáneas rockeras con letras en castellano. Las canciones se escriben cuando lo creen oportuno, no cuando uno quiere.

Allison pinta los tallos y los capullos. Sus fieles acompañantes dibujan los pétalos. Jorge Valle en los teclados y el bajo, Esteban Cabrera en la guitarra y Christian Flaschka en la batería. Entre todos plasman las historias que constituyen el repertorio de la banda.

Allison se sirve de su experiencia personal, de una vida rica en cambios y acontecimientos. La cima. El abismo. Nadie puede dejar sus demonios atrás. La Allison García Band arropa las historias con un abrigo sónico. Ligero en los temas alegres como la primavera y contundente en los paisajes otoñales. El viaje acaba de empezar.


LA ENTREVISTA

¿Por qué Allison García inicia un proyecto musical como Romance Salvaje?
Después de una etapa como cantautora tocando en acústico empecé a sentir la necesidad de darle una ropa más eléctrica a mis canciones. Sentí que necesitaban la fuerza del Rock and Roll, por lo que empecé a buscar músicos que pudieran dar a los temas lo que precisaban.

Tu música parece beber de muchos estilos, pero aunque podemos encontrar principalmente el Rock como base principal, se pueden entrever otros estilos como el Glam Rock y el Hard Rock, e incluso Country Rock / Stoner, el Funk, el Blues y el Pop…  ¿Qué ha motivado este sonido en Allison García Band? ¿Cuáles son o han sido tus influencias más directas a la hora de hacer música?
En nuestra banda no hay una clara influencia. No intentamos imitar a nadie y no pertenecemos a ningún movimiento en concreto. Todos venimos de diferentes estilos. Eso hace que nuestra música tenga un aire muy propio, porque tampoco nos cerramos y no tenemos miedo a dar rienda suelta y probar cosas diferentes. No tendemos a autocensurarnos. Eso sí, a todos nos gusta una buena melodía y un buen estribillo, de ahí que puedas encontrar una cierta sensibilidad del pop en todos nuestros temas.

El resto de la entrevista puedes leerla en nuestra web, siguiendo este link.

martes, 11 de agosto de 2015

Crónica del concierto de ZAZ + Sandra Carrasco (Madgarden Festival, Madrid, 24 de Julio 2015)

LA CRÓNICA
por Guillermo van Schendel @Mr_Vanshy

El festival veraniego “Madgarden Festival” se reservaba para una de sus últimas veladas una noche realmente especial. Y es que desde las 21:00 de la tarde pudimos disfrutar en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la UCM de dos de las mejores voces femeninas del panorama Francés y Español: Zaz y Sandra Carrasco.


Con un comienzo más que puntual apareció en primer lugar Sandra Carrasco para presentar su nuevo disco “Océano”, una apuesta arriesgada pero muy efectiva en su carrera musical al suponer un cambio total de estilo y sonido respecto a su primer disco, totalmente flamenco. Nos ofreció nueve temas de su último trabajo, lo que supuso un repertorio de exquisitas versiones de temas clásicos como “Qué será”, “Quizás”, “Sabor a mí” o “Envidia”. Rompió un poco la línea del concierto con el último tema, “Se acabó”, quizás no el más acertado para terminar debido al contraste con las canciones previas.

La acompañó a la guitarra en todo momento su marido y compañero musical, Daniel Melón Jiménez, con un sonido absolutamente nítido y los temas perfectamente ejecutados. También subió al escenario Raúl Márquez, violinista, que haría doblete minutos más tarde en la intervención de Zaz.

Sandra demostró la valía de su voz y tuvo una recepción del público más que apreciable, incluso coreando y bailando canciones. Antes de despedirse no pudo sino agradecer al público y a la organización y regalar palabras de cariño también para Zaz, dejando ver su tremenda admiración por ella.

Tras unos minutos de descanso, a las 22:00 tocaba el turno de “ZAZ”. Se fueron llenando las gradas y la pista hasta completar aforo. Prendas hippies, buen rollo, parejas, grupos de amigos, familias, acento francés por aquí, nerviosismo por allá... un panorama más que agradable se terminó de formar para dar la bienvenida a Zaz, nombre artístico de Isabelle Geffroy una de las voces más reveladoras de los últimos años, que mezcla el jazz y la canción francesa con un sonido y energía inigualables.

Zaz y su banda se ganaron al público desde antes de entrar. Se llenó el escenario de humo alumbrado por la luz del Cuarto Creciente que se dejaba ver en el cielo esa noche, entraron los cinco músicos, todos vestidos como la clase trabajadora francesa de antaño (boinas, tonos grises, chalecos de franela, tirantes... ), sonó el piano, sonó la trompeta y de repente nos vimos  inmersos en un ambiente parisino de lo más propicio para que presentase la artista su último trabajo, “París” (valga la redundancia). Pero la cosa no quedó sólo en París.
Salió Zaz al escenario con una presencia incomparable y cantando “Comme Çi,Comme Ça” y el recibimiento fue enorme, lo que la llevó a ofrecer un concierto con más de 20 canciones a lo largo de dos horas largas de música de altísima calidad que se hicieron muy, muy cortas. Y es que estuvo Zaz absolutamente entregada al público, simpatiquísima, preparándose los discursos en español e insistiendo hasta pronunciarlos bien, como aquél de la Leyenda del Colibrí, justo antes de “Colibris”, o la presentación de Raúl Márquez en Dans mon Paris”, incluso dijo “Salten, déjense llevar! Por favor!!” dijo antes de “La fée”. Uno de los momentos más esperados llegó con “Je veux”, la cual casi la cantó a dúo con el público, incluso la parte en la que hace un “beat-box” que suena como una perfecta trompeta. Zaz alucinaba con la implicación de los oyentes tanto que nos soltó un par de veces “¡Te quiero mucho mi amor!”.
Simpatiquísima.

Lee el resto de la crónica en nuestra web, pinchando aquí. También podrás ver el resto de las magníficas fotos.

lunes, 10 de agosto de 2015

Crónica del concierto de Celtas Cortos & La Banda de Música de El Espinar (El Espinar, 08-08-2015)

El grupo Celtas Cortos y la Banda de Música del Espinar se convirtieron en un huracán musical y arrasaron con la interpretación de algunos de los grandes himnos de la mítica banda de folk rock pucelana y algunos temas nuevos de su disco "Contratiempos".


La fusión de la música folk, en esencia la música de origen celta, con el rock, ha sido sin duda una de las claves del éxito del grupo Celtas Cortos desde sus orígenes. En esta aventura sinfónica en la que se han embarcado de gira en los últimos meses, ofreciendo sus grandes éxitos y algunos temas nuevos bajo el prisma musical del sonido de una orquesta, está resultando más que satisfactoria para el grupo, y por supuesto para un público que puede escuchar de manera espectacular y diferente las canciones que conocen de toda la vida.

foto de Javier Sanz @JaviWJfoto / texto de Josechu Egido @josechu_egido 

En esta ocasión, la Banda de Música del Espinar, dirigida por un entregadísimo y joven José Luis López Antón, supo aderezar tanta pasión y, por supuesto, diversión al evento, que el propio Jesús Cifuentes, voz y guitarra acústica del grupo, catalogó a la jovencísima banda municipal de "huracán", término que repitió insistentemente a lo largo de la actuación, mostrando su satisfacción con el sonido que se estaba consiguiendo. Y no fue para menos, cada canción sonó épica, poderosa, intensa y tan emocional, que el final de cada canción, se convirtió en una explosión de júbilo, aplausos y gritos de aprobación y e convicción total del público asistente.

Un gran éxito para las dos bandas que se complementaron de manera magistral tanto empática, como musicalmente. Desde estas líneas, un bravo por el espectáculo de este gran homenaje a la Música.

Todas las fotos en nuestra web, siguiendo este link.

domingo, 9 de agosto de 2015

Concierto de Ana Belén y Victor Manuel (Festival Starlite, Marbella, 06-08-2015)

LA CRÓNICA
por Jorge López Vital @JorgeLopezVital

"Canciones Regaladas" así se llama la gira de Ana Belén y Victor Manuel. Haciendo un recorrido por canciones que amigos suyos y artistas de gran índole les han dedicado o han compuesto para ellos. Entre esas canciones podemos encontrar letras compuestas por el mismo Joaquín Sabina entre muchos otros.


La Cantera de Marbella vivió una noche mágica con la fusión de belleza y fuerza en el escenario. Con más fuerza que nunca y recordando momentos inolvidables, Ana Belén y Victor Manuel se querían comer el Auditorio de Marbella...y así lo hicieron.
El festival Starlite retrocedió unos cuantos años atrás para escuchar canciones como "Contamíname", "Canciones Pequeñas", o la tan famosa "La Puerta de Alcalá".

A mitad de concierto, Víctor Manuel hizo mención a las víctimas de la Guerra Civil Española, ganándose el respeto y aplauso de la mayoría del Auditorio y algunos pitidos no deseados.

En todo momento pudimos ver una gran compenetración en el escenario con más de un baile entre los artistas. Una noche para el recuerdo de muchos que quisieron revivir sus viejos tiempos.

Más fotos del concierto, pinchando aquí.

The Poetry Book - Young Martyrs (2015). Entrevista a Chris W.

The Poetry Book es el precioso nombre de un dúo madrileño formado por Chris W. y Soul R.
Con dos EPs editados, su música con clara influencia del shoegaze, el post-punk y el darkwave de los 80. El grupo acaba de editar Young Martyrs (2015), un EP que contiene 5 canciones densas y oscuras pero de sonido envolvente y evocador con un final luminoso, un punto optimista que hace su música más accesible, y determina la personalidad propia del grupo, un toque Pop que permite el baile entre el sonido obtuso e industrial de sus hermosas melodías. A tener en cuenta. 

THE POETRY BOOK
Young Martyrs (2015)


LA ENTREVISTA

¿Por qué el nombre de The Poetry Book?
TS Eliot escribió: "La poesía no es dar rienda suelta a la emoción, es un escape de las emociones; no es una expresión de la personalidad, sino un escape de la personalidad. Pero, por supuesto, sólo los que tienen personalidad y emociones saben lo que significa querer escapar de estas cosas." Y justo eso es The Poetry Book: La máscara que me permite escapar de mi mismo para poder expresar lo que siento de verdad.

Vuestra música parece tener gran influencia de multitud de estilos que van desde el pop de los 80, shoegaze, post-punk, … aunque pueden encontrarse guiños a estilos como la new wave en su versión más oscura Dark Wave, la música industrial y la experimental ¿Qué ha motivado este sonido en The Poetry Book? ¿Cuáles son o han sido vuestras influencias más directas a la hora de hacer música?
Nuestras influencias son básicamente eso que comentas: el shoegaze [sobre todo la primera hornada, como The Jesus & Mary Chain, Loop], Joy Division [que siempre me parecieron más dark wave que intrínsecamente post punk] y algunos grupos actuales que o bien mezclan ambos estilos [A Place To Bury Strangers] o lo han mezclado con otras cosas interesantes [Celica XX.]. Y la razón por la que tenemos este sonido es porque es una respuesta directa de mis sentimientos: La confusión, el dolor, la catarsis, el amor, la fe, la soledad...

Sigue la entrevista en nuestra web, pinchando aquí.

sábado, 8 de agosto de 2015

Berri Txarrak - Denbora Da Poligrafo Bakarra (2015). Entrevista a Berri Txarrak

“La pasión es el mínimo exigible, no hay más secreto que ese”

Berri Txarrak son un grupo navarro de rock-metal independiente que recientemente han publicado un triple EP por su 20º aniversario llamado “Denbora Da Poligrafo Bakarra”. Cantando íntegramente en euskera, su personal estilo les ha permitido girar por Europa, América y Asia compartiendo cartel con Rise Against o Pearl Jam entre otros. Hablamos con ellos a la vuelta de su gira por Alemania y Francia antes de partir rumbo a EEUU y México para después recalar en nuestra comunidad el próximo mes de abril. Por este motivo, nuestro compañero George Kaplan ha hablado con ellos.

Berri Txarrak estarán próximamente el 8 de Agosto en el Shikillo Festival 2015 en Candeleda (Ávila) y el 15 de Agosto en el Festival Sonorama (Aranda de Duero, Burgos)

BERRI TXARRAK
Denbora Da Poligrafo Bakarra


LA ENTREVISTA

Editáis un disco triple,  en el que cada EP muestra una manera de entender el rock, un proyecto poco común en la actualidad y complicado ¿Cómo llegáis a la conclusión de que ese tiene que ser vuestro próximo paso?
Surgió como respuesta al 20º aniversario. Mucha gente aprovecha estas efemérides para hacer un recopilatorio, un directo… algo muy lícito pero que a nivel creativo no te exige gran cosa. Nosotros sentíamos que un aniversario así debía ser justo lo contrario, puesto que tenemos muchas cosas que decir. Fue como una huelga a la japonesa  : )

Después de bastantes discos a vuestras espaldas supongo que es difícil encarar la grabación de un nuevo CD sin caer en la monotonía ¿Cómo preparáis la creación de nuevas canciones?
Lo más complicado es siempre dar con un concepto y arrancar, enfrentarse a esa primera canción que puede marcar el devenir del disco en cierta manera. Esta es la primera vez que hemos puesto “condiciones” previas a la hora de componer, ya que queríamos marcar diferencias de estilo en cada EP, por lo que hubo ideas que nos gustaban pero se descartaban porque no cuadraban en el EP que estábamos preparando. Fue como un juego.

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